На заметку...

На сайте ВГД собираются люди, увлеченные генеалогией, историей, геральдикой и т.д. Здесь вы найдете собеседников, экспертов, умелых помощников в поисках предков и родственников. Вам подскажут где искать документы о павших в боях и пропавших без вести, в какой архив обратиться при исследовании родословной своей семьи, помогут определить по старой фотографии принадлежность к воинским частям, ведомствам и чину. ВГД - поиск людей в прошлом, настоящем и будущем!

ЧЕМ ОПРЕДЕЛЯЕТСЯ СРОК ЭКСПЛУАТАЦИИ МАСКИ ИЛИ РЕСПИРАТОРА?

Материалом фильтра.

Одноразовая медицинская маска фильтрует воздух через материю, отверстия в которой намного больше размера вирусных частиц. Вирусы задерживаются в ней за счет сил электростатического взаимодействия.
Через 2–3 часа маска увлажняется от дыхания настолько, что теряет электростатический заряд. После стирки ее фильтрующие свойства сильно ухудшаются, а у масок с нетканой основой пропадают вовсе.
Самодельные маски из любой подручной материи можно использовать и после стирки, но их эффективность изначально невелика. Респираторы действуют, пока фильтр не забьется пылью.

Расцвет творчества Владимира Лукича Боровиковского, известного русского живописца, пришелся на времена царствования Екатерины II и Павла I. При императорском дворе очень ценятся торжественные, парадные портреты, и художник отменно преуспел в этом – он всеми признанный мастер.

В серии женских картин Боровиковский раскрывается как яркий представитель сентиментальной живописи. В его камерных портретах воплощен идеал женщины его времени.

«Портрет М. И. Лопухиной» является заказом ее мужа, егермейстера и действительного камергера при дворе С. А. Лопухина.

Мария Лопухина (1779-1803) - представительница графского рода Толстых, сестра известного авантюриста и дуэлянта Федора Ивановича Толстого, жена егермейстера С.А.Лопухина. Она была старшей дочерью графа Ивана Андреевича Толстого и Анны Федоровны Майковой. Отец Марии служил в Семеновском полку, прошел путь от сержанта до бригадира и генерал-майора. И, кроме того, был известен как предводитель Кологривского дворянства. У Марии Ивановны были четыре сестры: Вера, Анна, Александра и Екатерина, а также два брата - Федор и Петр. Но самой, пожалуй, одиозной фигурой этой семьи был Федор Толстой, старший брат Марии, по прозвищу “Американец”, прославившийся своими дуэлями и приключениями. С кем только он не стрелялся! Даже пытался с Пушкиным. Но поэт тогда проделал знаменитый трюк, стал кушать черешню и выплевывать косточки - мол, занят, не до дуэли мне сейчас. Этот эпизод был положен в основу сюжета повести Пушкина “Выстрел”.
Мария Ивановна в 1797 году вышла замуж за Степана Авраамовича Лопухина, егермейстера и действительного камергера при дворе Павла Первого, по сути, ничем не примечательного офицера. Однако Лопухины были представители выдающихся русских дворянских фамилий, людьми очень известными.

Эта картина - признанный шедевр Боровиковского - представляет абсолютное воплощение эстетических идей сентиментализма. Образ Марии Лопухиной пленяет нежной меланхоличностью, необыкновенной мягкостью черт лица и внутренней гармонией, которая ощущается во всех художественных и живописных элементах картины: в позе героини, повороте очаровательной головки, выражении лица. Гармоничны и мелодичны все линии, привлекают внимание детали. На полотне также изображены цветы - сорванные и уже слегка поникшие на стебле розы. Что это, зарисовка природы или здесь заключен некий смысл? Символическое значение цветов было хорошо известно: красота их цветения завораживает, но очень скоро блекнет. Такова и красота женщины.

Однако художника особенно привлекают нюансы в состоянии модели, ее ускользающая красота, глубокая грусть души, которые он передает благодаря почти незаметным элементам символики и тонкому колористическому решению портрета.

По оценке знатоков искусства, «Портрет Марии Ивановны Лопухиной» является одним из шедевров автора. Именно его можно считать началом нового этапа в портретной живописи - когда художник обозначает не социальное положение и значимость героя картины, а его личностные характеристики – настроение, сокровенные переживания. Выражается это в изображении не атрибутов в интерьере, а окружающей природы.

На полотне Боровиковского - Мария Лопухина, молодая девушка 18-ти лет, она из дворянского рода, дочь генерала в отставке Ивана Андреевича Толстого, жена Степана Авраамовича Лопухина. Мария только что вышла замуж, и этот портрет послужил ей подарком от мужа. Портрет завораживает и очаровывает с первого же взгляда.

Девушка изображена на фоне природы, размытой и как бы в дымке, через которую просматриваются русские мотивы – березы, цветы, облака. Мария в белом, простом платье с голубым поясом, охватывающем ее фигуру по «греческой» моде, в небрежно накинутой шали.

Милое, обаятельное лицо молодо, свежо и нежно, у нее мечтательный взгляд, направленный именно на вас, и легкая таинственная улыбка. По замыслу автора, вся картина должна создавать ощущение гармонии и единства природы и человека.

Красота девушки грациозно и непринужденно сливается с красотой пейзажа. Как гармонирует наклоненная березка с естественным и плавным изгибом фигуры девушки, как васильки откликаются на цвет пояса, как золотые колосья передают изгиб руки, цвет и фактуру браслета.

Боровиковскому удалось передать не только поразительное сходство с оригиналом, но и наполнить полотно поэтичностью, выразившейся в воздушности письма и нежной гамме красок. Используя в основе приглушенные серебристые, бледно-голубые, нежно-зеленые цвета, автор достигает особенной лиричности и чувственности изображения.

По словам современников художника и искусствоведов нашего времени, портрет Лопухиной является идеалом женщины именно русского типа, которому, согласно канонам сентиментализма, Боровиковский придал черты нежной чувствительности, а изображение природы – как неотъемлемая часть женской души, ее сущности.

Благодаря портрету Боровиковского, до наших дней сохранилась загадочная красота Марии Лопухиной. А судьба девушки оказалась сурова к ней, Мария умерла в возрасте 23-лет от чахотки.
Супруг похоронил её в родовой усыпальнице Лопухиных в Спас-Андронниковском монастыре, в Москве. Это нынешний музей и Центр Древнерусского искусства имени Андрея Рублева. Через несколько лет после ее смерти её супруг также умер и был захоронен в этой усыпальнице рядом с ней. В его скорой смерти таится некая загадка - может быть, он так сильно любил Марию, что не смог более жить без неё.
Интересно, что после ее смерти прокатились по городу слухи, что именно этот портрет и погубил, совсем недавно здоровую и жизнерадостную девушку. В кулуарах шептались, что якобы любая девушка, посмотревшая на этот портрет, умрет, потому что в нем воплотился дух умершей. Скорее всего, эти слухи связаны с отцом Марии, он являлся членом масонской ложи, увлекался мистицизмом и имел огромное влияние на умы окружающих.

В какой-то степени, Боровиковский «виноват» в этих слухах – вот какова сила его художественного таланта, его воздействия на людей, как высока эстетическая составляющая портрета, какова жизненность и достоверность изображенной на нем героини.
Племянница Лопухиной вскоре стала супругой московского губернатора. Чтобы прекратить все разговоры о вредном влиянии изображения портрета на здоровье московских невест, портрет Марии Лопухиной был «сослан» подальше от людских глаз и пересудов, в загородное имение губернатора.
Только почти через 100 лет эти слухи перестали будоражить людей. После того, как знаменитый российский предприниматель и коллекционер Павел Михайлович Третьяков, приобрел картину для собрания своей галереи.

В 1885 году поэт Яков Петрович Полонский написал бессмертные строки, посвящённые образу Марии Лопухиной.

Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту её Боровиковский спас.
Так часть души ее от нас не улетела,
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать,
Уча его любить, страдать, прощать, молчать.»

ЕСТЬ ЛИ НА СВЕТЕ НАРОДЫ , КОТОРЫЕ НЕ РАЗЛИЧАЮТ ЦВЕТОВ?

Да, например, такие люди живут в Либерии.

В языке басса (одном из 17 языков малых этнических групп, распространенных на территории современной Либерии) есть всего два термина для обозначения цвета:
ziza для всех теплых оттенков — красного, оранжевого, желтого, белого и так далее;
hui для холодных оттенков — зеленого, синего черного и так далее.

Численность народности басса, язык которой принадлежит к семье кру нигеро-конголезских языков, составляет около 600 тыс. человек. Большая их часть проживает в Либерии, небольшие группы — в Сьерра-Леоне и Кот-д’Ивуаре.

КАКАЯ ИГРА САМАЯ СЛОЖНАЯ?

Самой сложной игрой в мире по праву считается го.

Это название пришло в европейские языки из Японии. Полное именование игры в Стране восходящего солнца звучит как «и-го».
В Корее же ее называют бадук, а в Китае вэйци. Го (вэйци) — одна из самых древних игр на Земле. По разным источникам, ее возраст составляет от 2500 до 4000 лет. Согласно китайским легендам, изобрел игру полумифический император Яо (XXIV век до н. э.), желая развить ум и внимательность наследника престола. Но документальные свидетельства, которыми мы располагаем, гораздо моложе древних преданий и относятся к периоду династии Западная (Ранняя) Хань (III—I века до н. э.). В это время игра уже была очень популярна. А самая старая дошедшая до нас игральная доска датируется IV веком. Большинство ученых считают, что вэйци появилась в эпоху Чжоу, между XII и III веками до н. э. В Японию игру завезли лишь в VII веке. Но именно в этой стране она достигла пика своей популярности.

Удивительно, но за многие века правила го почти не изменились. Все довольно просто. Для игры используется доска, на которую нанесены 19 линий по горизонтали и вертикали, образующих 361 квадрат (игровой пункт). Два игрока по очереди заполняют эти пункты камнями. Для удобства камни покрашены в контрастные цвета, к примеру черный и белый. Суть игры в том, чтобы заработать как можно больше очков. Для этого можно захватывать территорию (окружать пустые пункты своими камнями) либо уничтожать камни противника. Чтобы захватить вражеский камень, нужно окружить его со всех сторон. Тут-то и начинаются сложности. Хотя правила довольно просты, го намного сложнее шахмат и тем более шашек.

361-клеточное игровое поле создает огромное количество вариантов. Для сравнения: если в шахматах после четвертого хода возникает около 100 000 возможных позиций, то в го их число превышает 16 миллиардов. Если в шахматах машины давно научились обыгрывать лучших гроссмейстеров, то в го лавры победителя для них все еще недоступны. На это существует несколько причин.
Во-первых, как уже было сказано выше, количество вариантов в игре настолько огромно, что даже простой механический перебор крайне затруднителен.
Во-вторых, возникают серьезные проблемы с оценкой позиции. Если в шахматах давно выработаны критерии оценки позиции и определена ценность фигур, то в го все гораздо сложнее. Даже самые профессиональные игроки спорят о возможностях той или иной комбинации. В настоящее время лучшая программа по игре в го — это MoGoTitan. Она работает на суперкомпьютере мощностью 15 терафлопсов, то есть обрабатывает 15 триллионов операций в секунду и при этом играет лишь на уровне сильного любителя.

>> Ответ на сообщение пользователя Tina1960 от 21 августа 2020 21:38

Недаром, у китайцев есть пословица: "Дар к питью вина и вэйци отмерен человеку раз и навсегда. И человек не может, ни усилить его, ни утратить"!

ПОЧЕМУ ТУРЦИЮ НАЗЫВАЮТ ПОРТА?

Так называли эту страну послы из Европы.

К комплексу государственных зданий в Стамбуле вели так называемые Высокие ворота.
По-французски «ворота» — porte, по-итальянски — porta. Так европейские дипломаты стали называть правительство Османской империи. Со временем слово перекочевало в русский язык.

Скандальная картина Караваджо "Успение Богоматери": что с ней не так.

Он был действительно великий художник, а во-вторых, у него интересная, довольно необычная судьба. Он был известен как гуляка, дуэлянт, скандальный человек, с одной стороны. А с другой – большинство его лучших картин посвящены библейским темам, и он вкладывал в них всю мощь своего таланта. О масштабе его дарования свидетельствует среди прочего и тот факт, что Караваджо не оставил ни одного наброска к своим картинам – вполне возможно, он обходился без них. Конечно, никто из искусствоведов не отрицает его таланта. Обычно о нем говорят, что он большой мастер, что он преодолел маньеризм, который главенствовал в живописи после Ренессанса…

Картину "Успение Богоматери" Караваджо писал по заказу церкви Санта-Мария делла Скала. Она находилась в Трастевере, одном из самых бедных районов Рима, и художник надеялся написать эмоциональную, реалистичную, доступную для самых простых, необразованных прихожан вещь.
Караваджо берёт и пишет картину, которая напомнила бы римскому бедняку реальную сцену смерти - и скорби по этому поводу.

Что же скандального в этой работе?

Для начала давайте вспомним, о каком событии идет речь. Успение Пресвятой Богородицы – это христианский праздник, общий для Восточной и Западной Церкви, когда, с одной стороны, вспоминается конец земного пути Пречистой Девы («Успение» значит уснуть, умереть).
С другой стороны – в Успении подчеркивается не менее важная составляющая: Христос Сам приходит за Своей Матерью. На православных иконах этот момент изображается так, что Спаситель как ребенка держит на руках Ее молодую душу, пространство вокруг залито светом, скорбь растворяется в радости. В западной живописи праздник Успения изображается как Вознесение Пресвятой Богородицы – ангелы поднимают Ее на небо. Другой распространенный в живописи и скульптуре сюжет – коронация Божией Матери, Ее торжество на небе, когда Ее Сын, а часто и Пресвятая Троица – Отец, Сын и Дух Святой прославляют Ее как Небесную Царицу, «честнейшую Херувим и славнейшую без сравнения Серафим».
То есть речь идет не столько о печальном событии смерти, сколько о воскресении, которое ожидает всех людей.

Что же из этого мы видим у Караваджо?

Давайте внимательно рассмотрим его работу. Прежде всего, здесь бросаются в глаза фигуры убитых горем апостолов, которые собрались вокруг ложа только что умершей Пресвятой Богородицы. Божия Матерь изображена так, что тело Ее как будто пересекает холст. Она лежит в алых одеждах. С большим реализмом изображены руки: это руки человека, которого только-только оставила душа. Они безвольно обвисли. У Богородицы бледный лик, как будто после болезни, глаза закрыты…
Все это – изображение скорее телесной стороны жизни, чем духовной. Чтобы подчеркнуть особую бледность Пречистой Девы, Караваджо использует алый цвет, типичный для своих работ. Далее, мы видим помещение, практически лишенное света: черный фон на холсте доминирует. Часть апостолов, которые пришли прощаться с Божией Матерью, находятся в тени. И действительно, кажется, что в этой картине только скорбь, и ничего от того светлого праздника Успения, который отмечает Церковь, нет.

Пишет Караваджо не по воображению. В толпе скорбящих наверняка есть те же римские бедняки, которых он часто привлекал в качестве натурщиков. А саму покойную - Деву Марию, мать Иисуса Христа - Караваджо, по слухам, написал с трупа.
И ладно бы его мёртвая натурщица при жизни была приличной женщиной - так нет же, Караваджо написал Деву Марию с утонувшей проститутки, тело которой выловили из Тибра. Тело это изрядно распухшее. А ноги мёртвой проститутки грязные. Всё это художник фиксирует на полотне.

Тем не менее, есть несколько деталей, которые указывают и на другую, духовную сторону этого события.
Например, чтобы подчеркнуть особую святость Богородицы, Караваджо увенчал Ее нимбом – только Ее, хотя и апостолы, и Мария Магдалина прославлены Церковью как святые.
Далее, Божия Матерь изображена так, как будто Она только что умерла, но тело Ее не просто лежит… Если приглядеться: ложе различимо только у изголовья, а дальше – мы видим одежды апостолов, а постели нет. Возникает эффект, что Богородица как бы парит в воздухе.

Реалистично? Да! Но так писать Деву Марию никто никогда себе не позволял!
Звучит слово "богохульство". Заказчики отказываются оплачивать картину и вешать её в церкви.

Традиционно считалось, что в период между смертью и вознесением на небеса Дева Мария пребывала во сне, или «успении», сохранявшем ее тело, в отличие от тел простых смертных, нетронутым.
Как зачатие Спасителя было непорочным, так и смерть Богородицы была бесплотна.
Но понятие бесплотности было чуждо Караваджо: он писал плоть...

Хотя...Давайте посмотрим на один выразительный момент, характерный для Караваджо.
Это так называемая игра света и тени, воздух, который составляет очень важный скрытый план картины. Он есть во многих работах мастера, особенно на библейские темы (например, «Бегство в Египет», «Призвание апостола Матфея»).
Да, в «Успении» Караваджо нет изображения Христа, пришедшего за Божией Матерью.
Да, мы видим людей, преисполненных земной скорби. Она всем знакома: все мы теряем близких и дорогих людей и в этот момент плачем. Это вполне понятная скорбь, ведь смерть неестественна для человека, каждый из нас с детства противостоит самой мысли о ней. Есть люди, которые, даже повзрослев, стараются о ней не думать, что, кстати, неправильно, потому что смерть – это составляющая жизни и воскресения.
Да, Караваджо мастерски показывает земную скорбь. Но приглядитесь: кроме нее, мы видим на холсте поток света, который уже прорвался в комнату, уже прорезал тьму.
Благодаря этому свету мы можем предположить, что произойдет мгновение спустя… Через секунду тело Божией Матери начнет приподниматься и устремляться к этому свету. Собственно, мы не знаем как, но именно это и произошло.

Успение Божией Матери в духовном мире – это преодоление смерти, которое стало основной мыслью в творчестве художников с христианским мироощущением. Ведь это начало жизни вечной.

Посмотрите, как другие художники (до и после Караваджо) обходились без изображения мёртвого тела при создании картины "Успение Богоматери". Они концентрируются уже на моменте её вознесения на небеса:

Слева - картина "Успение Богоматери" кисти Тициана (1516–1518, Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, Венеция). Справа - картина"Успение Девы Марии" кисти Рубенса (1626, Собор Антверпенской Богоматери, Антверпен).

А вот работа, созданная почти за 200 лет до Караваджо.
Всё красочно и торжественно, поза "спящей" Марии благообразна - ни о каких грязных пятках невозможно и помыслить. Среди скорбящих апостолов в нижней части картины мужчина с "куколкой" на руках - это Иисус Христос с бессмертной душой Девы Марии. А в верхней части картины изображено отменяющее смерть вознесение Девы Марии (тогда как у Караваджо нет и намёка на вознесение и будущее воскрешение, вечную жизнь).

Фра Беато Анджелико. Успение и вознесение Богородицы. 1434. Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон.

Но вернёмся к картине Караваджо. Как она уцелела и дожила до наших дней, если возмутила современников, оскорбила чувства верующих?

Заказчики не увидели на картине второго плана. Караваджо сознательно отошел от традиционных мизансцен, а разглядеть за подчеркнутым реализмом иную, эсхатологическую перспективу заказчики не сумели. Впрочем, они не отрицали мастерство исполнителя, ведь отрицать очевидное невозможно. Но с их точки зрения, с задачейхудожник не справился: они увидели на картине смерть, но не увидели воскресения.

Через пять лет после того, как церковники отвергли картину Караваджо, её увидел... Питер Пауль Рубенс.
Рубенс,в то время жил у известного покровителя искусств Винченцо Гонзага, представителя известного европейского рода, который был в родстве с Габсбургами и даже претендовал на трон императора Священной Римской империи. Рубенс порекомендовал ему приобрети эту отвергнутую картину, что и уберегло ее от гибели.
Перед тем как картина уехала из Рима к новому владельцу, её в течение двух недель выставляли в Риме - со строжайшим запретом на копирование.
У герцога Мантуи картину купит английский король Карл I, после казни короля "Успение" купит французский коллекционер, который затем продаст её уже своему, французскому королю Людовику XIV - и в итоге шедевр Караваджо поселится в Лувре.

А оскорблённые церковники, отказавшись вешать полотно Караваджо, закажут написать картину с этим же сюжетом малоизвестному сегодня художнику Карло Сарачени.
Вот что у него получилось:

Карло Сарачени. Успение Девы Марии. Около 1610. Картина до сих пор висит в той же церкви, для которой была написана - Санта-Мария делла Скала, Рим.

Источники:

Богослов,экскурсовод,руководитель Паломнического центра апостола Фомы в Европе Тимофей Китнис.

(Из книги Саймона Шамы "Сила искусства")

ОТКУДА ПРОИЗОШЛИ НАЗВАНИЯ ЧАСТЕЙ СВЕТА?

Истории названия каждого из материков очень интересны. Почему Азию назвали Азией, а Антарктиду – Антарктидой? Происхождение некоторых названий связано с древними мифами – заслуга древних греков в этимологии многих слов, в том числе собственных наименований, очень велика.

Почему Европу назвали Европой?

Есть несколько версий.
Вот одна из самых распространенных.
На том месте, где сейчас находится государство Ливан, в глубокой древности располагалась Финикия. Согласно древнегреческим мифам, бог Зевс влюбился в безумно красивую земную женщину по имени Европа.
Происхождение самого этого имени, как заключает французский лингвист П. Шантрен, неизвестно. Наиболее популярные в современной литературе этимологические гипотезы были предложены ещё в античности (наряду со многими другими), но являются спорными: одна этимология истолковывает его из греческих корней еври- и опс- как «широкоглазая», другая – согласно лексикографу Гесихию, название Европия означает «страна заката, или тёмная».Историки предполагают, что слово «европа» по-финикийски означало «заход» (само слово, скорее всего, ассирийское).

Красавица Европа была дочерью Агенора, царя Финикии. Громовержец Зевс пожелал сделать Европу своей женой, но царь Агенор не допустил бы этого. Зевсу ничего не оставалось, как похитить красавицу.
Превратившись в белого быка, Зевс выкрал Европу и перевез ее на остров Крит. Позже, согласно некоторым мифам, Европа стала женой критского царя. А потому жители Крита стали называть свою землю Европой. В 5 веке до нашей эры название Европа распространилось на всю Грецию. Постепенно, получая новые знания об окружающем мире и все больше путешествуя, древние люди отодвигали границы Европы. И только в середине 18 века были установлены окончательные границы Европы, которые отмечены и на современных географических картах.

Почему Азию назвали Азией.

Название «Азия» в применении к континенту тоже появилось благодаря древним грекам и их мифам. Однако само слово «азия» является ассирийским, переводившимся как «восход солнца». Теперь понятно, почему самую большую часть света назвали Азией, ведь именно там восходит солнце.
Слово «азия» у ассирийцев было всего лишь словом, а названием части света оно стало все-таки благодаря грекам.
В древнегреческой мифологии есть бог-титан по имени Океан. Азия (Асия) – его дочь-океанида, которую сами греки изображали верхом на верблюде. В руках у нее были щит и ящичек с ароматными пряностями. В некоторых вариантах мифов Азия является матерью (а в некоторых – женой) самого Прометея – того самого героя, который принес людям огонь.

Все земли, что восточнее Европы и ближе к тому месту, где восходит солнце, древние греки стали называть Азией. В Малой Азии находилась область Ассува. В устах греков «Ассува» превратилось в «Асиа».
Скифов, которые обитали за Каспийским морем, греки называли азианами. А древние римляне, кстати, называли азианами жителей своей восточной провинции.
Когда начался период великих географических открытий, слово «Азия» решено было использовать для обозначения огромных по площадки земель, находящихся ближе к восходу солнца (то есть к востоку). Таким образом, появлению на карте части света под названием Азия мы обязаны ассирийцам и древним грекам.

Почему Африку назвали Африкой.

Нет точного и единственно принятого ответа на этот вопрос. Существует множество теорий, каждая из которых имеет право на жизнь. Приведем лишь несколько.
Как появилось название «Африка»: первая версия. Название «Африка» придумали греко-римляне. Территорию Северной Африки к западу от Египта древние греки и римляне долгое время называли Ливией, потому что там жили племена, которых римляне именовали «ливами». Все, что находилось южнее Ливии, называли Эфиопией.
В 146 году до нашей эры Рим одержал победу над Карфагеном. На захваченной в результате войны территории, на которой нынче располагается Тунис, была основана колония. Этой колонии дали название «Африка», так как в этих местах жили местные воинственные племена афариков. По другой теории, сами жители Карфагена называли людей, живущих не в городах, словом «афри», что якобы произведено от финикийского afar (пыль).
Римляне, победив Карфаген, использовали слово «афри» для названия колонии. Постепенно Африкой стали называть все остальные земли этого континента.
Но есть еще одна версия названия «Африка». Название «Африка» придумали арабы. Арабские географы давно знали, что Азия и Африка отделены друг от друга Красным морем. Арабское слово «фарака» переводится как «разделять», «отделять одно от другого».
От слова фарака арабы образовали слово «Ифрикия» – именно так они и называли четвертый континент (древнее название можно перевести как «Отделенный»). Об этом писал известный арабский ученый 16 века Мухаммед аль-Вазан. Позже Ифрикия превратилась в Африку, что было связано с особенностями заимствования иностранных названий в разных языках.

Почему Австралию назвали Австралией.

О существовании большого материка в южном полушарии ходили легенды еще в древности. В те времена эти загадочные земли назывались Terra Australis Incognita, что в переводе и означает загадочная южная земля. Первым европейцем, который достиг берегов Австралии в начале 17 века был голландец Виллем Янсзон, который назвал открытые земли Новой Голландией, однако само название «Australia» стало популярным после опубликования книги капитана Мэтью Флиндерса, первого человека, обогнувшего австралийский континент. Книга называлась «Путешествия в Terra Australis».Флиндерс писал, что был скован названием Terra Australis (Южная Земля), однако с большим удовольствием назвал бы материк по-другому –Австралия. Так с легкой руки Флиндерса этот континент стал называться Австралией, потому что предложенный мореплавателем вариант показался ученым картографам и географам очень и очень удачным.В 1824 Британское адмиралтейство окончательно утвердило это название континента.

Почему Америку назвали Америкой.

Даже детям известно, что Америку открыл Христофор Колумб. Тогда почему же эту часть света назвали не Колумбией или Колумбикой? И каково вообще происхождение названия Америка?
Христофор Колумб, конечно, открыл Америку, но при этом он и сам не знал, что обнаружил новую часть света, полагая, что земля по ту сторону Атлантики – это Китай (Катай, как называли его во времена Колумба).
Колумб все равно прославился на века. Но гораздо реже говорят о флорентийском навигаторе Америго Веспуччи, который жил в то же время, что и Колумб, но был моложе его. Америго совершил четыре путешествия к западным берегам Атлантического океана, но два из них историки считают не более чем мистификацией. Однако как минимум одно путешествие было на самом деле – Америго совершил его в 1501-1502 годах к берегам Бразилии.
Вернувшись, Америго Веспуччи начал красочно описывать ход путешествия и свои впечатления, отправляя эти заметки письмами своим друзьям и банкиру Лоренцо Медичи. Через некоторое время письма Веспуччи были опубликованы и имели грандиозный успех у читателей.
Америко назвал открытую им землю Новым Светом, но в 1507 году лотарингский картограф по имени Мартин Вальдземюллер решил внести на карту новую землю и назвать ее в честь «первооткрывателя» – Америго Веспуччи. Ведь, читая заметки Америго, многие пришли к выводу, что Веспуччи открыл какой-то новый материк, не имеющий никакого отношения к Китаю, обнаруженному Колумбом по ту сторону Атлантики.
Однако прошло совсем не много времени, и географы-картографы сделали вывод, что и Колумб, и Веспуччи открыли один и тот же континент. Картографы оставили для него название «Америка», разделив ее на Северную и Южную.
Таким образом, уже в 1538 году на картах появились Северная Америка и Южная Америка. Однако вплоть до конца 17 века, то есть еще два с половиной столетия, эти земли в Европе продолжали называть Новым Светом. Но, как мы знаем, официально было признано название Америка.

Как Антарктида название свое получила?

Антарктида – это производное от слова «Антарктика». Антарктикой назвали южную полярную область. В переводе с греческого Антарктика означает «противоположно Арктике», ведь название «Арктика» появилось раньше как обозначение области, примыкающей к северному полюсу. Именно слово «Арктика» напрямую связано с древнегреческой мифологией.
Громовержец Зевс влюбился в нимфу Каллисто, но завистливые боги не смогли видеть, как счастливы Зевс и Каллисто и превратили беременную женщину в медведицу. После этого она родила сына. Аркад, так звали сына (по-гречески медведь – арктос), вырос без матери. Однажды, охотясь, он замахнулся копьем на свою мать медведицу Каллисто (разумеется, он не знал, кто она). Увидев это, Зевс превратил обоих дорогих себе существ в созвездия – так появились Большая медведица и Малая медведица.
Эти созвездия помогали найти полярную звезду, всегда указывающую на север. Поэтому всю северную область древние греки стали называть Арктикой.
Затем появилось название Антарктика (противоположность Арктике). Ну а позже возникло слово Антарктида – шестая часть света, южный материк у самого полюса Земли.
Открыли эту часть света русские моряки под командованием Фаддея Беллинсгаузена 28 января 1820 года. Правда, это официальная дата – именно тогда моряки увидели «льдинный материк». Через год моряки увидели берег и назвали эту местность Землей Александра Первого. Однако это название так и не распространилось на весь материк, который в итоге получил название Антарктида, связанное с древней Грецией.

Итак, три части света – Европа, Азия и Антарктида – получили свои названия благодаря древнегреческим мифам.

КАКАЯ ФАМИЛИЯ У КУКЛЫ БАРБИ?

Автором любимицы всех девчонок и их мам, стала Рут Хэндлер, которой пришла идея создания взрослой девушки-куклы, после наблюдений за своей дочкой, которая с упоением наряжала в бумажные одёжки картонных красавиц.

Рут Хэндлер, назвала куклу в честь своей дочери Барбары.

А полное вымышленное имя игрушки – Барбара Миллисент Робертс. Под ним она выступает в серии рассказов, опубликованных в США в 1960-е годы.
Популярность Барби неуклонно растёт. Ведь она теперь так похожа на маму. Она освоила кучу профессий: водитель, певица, дизайнер, модельер, пожарный и многие другие. Барби ходит на работу, носит мамину причёску, и все девчонки пытаются быть на неё похожими. В это же время к кукле начинают предъявлять претензии, что её многочисленная одежда диктует только потребительские ценности.

Но Рут Хэндлер несогласна с таким видением популярной куклы, она считала, что постоянно переодевая игрушку, подбирая разные прически, у девочек формируется эстетическое восприятие. Ведь, чтобы не отстать от моды, над нарядами Барби трудились около семидесяти стилистов.
Компания Mattel выпустил мусульманский вариант Барби. Кукла одета в хиджаб и фехтовальный костюм. Она должна показать всему миру, что миф об угнетённых восточных женщинах – всего лишь стереотип. В наши дни, кукла Барби не теряет свою популярность, и продаётся по всему миру.

Источник: https://fishki.net/3056301-jev...-dnej.html © Fishki.net

Почему квадрат Малевича является шедевром?

Если посмотреть на картину Малевича «Черный квадрат», то невольно возникает недоумение по поводу ее популярности. С какого такого соображения ее отнесли к числу мировых шедевров? Можно предположить, что причина кроется к каком-то особом художественном восприятии Малевича, которое недоступно простым людям. Ну чего тут особенного? Любой и каждый может нарисовать прямоугольник, и затем закрасить его черным цветом. Где здесь искусство? Предположим, что мы правы, но тогда почему за картину готовы выложить 140 миллионов долларов? В чем здесь секрет?

Казимир Малевич. Черный квадрат.Около 1923.Коллекция Государственного Русского музея.

Так, или иначе, но эта, примитивная, на наш взгляд, картина, была признана мировым шедевром. Что же такого особенного в «Черном квадрате» Малевича?

Если вы думаете, что нарисовать такую картину мог бы кто угодно, то глубоко ошибаетесь.
Все дело в том, что на самом деле черный квадрат таковым не является.
Во-первых, все его стороны абсолютно разные, да к тому же, и не параллельные. Сказать что он абсолютно черный, также было бы не правильно. Ученые установили, что при создании картины Малевич использовал три различных краски, которые изготовил самостоятельно. Первая имела цвет жженой кости. Вторая выглядела как черная охра. Третья краска имела темно-зеленый цветовой оттенок. Чтобы картина не выглядела глянцевой, в краски был добавлен мел. Вот и получается, что это не просто закрашенный черной масляной краской квадрат, а нечто большее и довольно оригинальное.

Парадокс заключается в том, что на протяжении следующих 15 лет Малевич пытался создать копию «Черного квадрата». Он предпринял три таких попытки, но повторить свой шедевр ему не удалось. В настоящий момент мы можем любоваться четырьмя «Черными квадратами» Малевича. При этом все они абсолютно разные, как в отношении размера, так и цветового наполнения.

Первая картина была написана в 1915 году. По мнению ученых, она до предела насыщена положительной энергетикой, благодаря невероятно удачному сочетанию красок и цветовых оттенков.
Все четыре "Квадрата", написанные Малевичем с 1915 до начала 1930-х гг, - это развитие одной темы. Они отличаются не только очередностью и годом создания, но и цветом, рисунком, фактурой.

В Русском музее хранится самый большой квадрат.

Второй "Черный квадрат" написан около 1923 г. при участии Казимира Малевича его ближайшими учениками - Анной Лепорской, Константином Рождественским и Николаем Суетиным - для триптиха, включавшего также "Крест" и "Круг" (сейчас в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге).
«Черный квадрат», «Черный круг», «Черный крест» были написаны около 1923 года и предназначались для Международной выставки в Венеции. Однако там они так и не были показаны из-за интриг российских устроителей.

В Третьяковке выставлен самый черный и самый глухой квадрат Малевича.

Внимательно изучив самый первый «Черный квадрат» Малевича, ученые пришли к выводу, что под слоем черной краски находится еще одна его картина. Скорее всего, художник пытался нарисовать даму у фонарного столба, но затем, передумал, и закрасил все черной краской. Но и это еще не все. Под второй картиной находилась третья, названная, впоследствии названная «Точильщик».

Что послужило причиной того, что Малевич использовал один и тот же холст, для совершенно разных картин?

На этот счет нет однозначного ответа. Возможно при создании картины его что- то не устроило, и он недолго думая, нанес поверх старого, новое изображение. Еще одна версия ссылается на то, что у него просто не было под рукой подходящего холста, и он решил пожертвовать уже готовой картиной, по его мнению, не совсем удачной. Тем более, что надобность в грунтовке в этом случае отпадала.

Создавая «Черный квадрат» Малевич следовал инновационному направлению в живописи, получившему название супрематизм. Если перевести слово «Supreme» на русский язык, мы получим «превосходный». Получается, что для художника данная картина стала проявлением высшего художественного мастерства. Можно назвать это школой одного человека, имя которому Каземир Малевич. Он был сильной личностью, поэтому нет ничего удивительного в том, что у него столь большое число сторонников и последователей.

Малевича можно считать оригиналом. Он призывал своих последователей отказаться от изображения реальных предметов. В этом и состоял смысл супрематизма. По его мнению, художник должен творить. Повторять предметы и объекты не его удел. Возможно, он в чем-то прав. Не нам его критиковать. Он гений, а гениев не судят. Малевич понимал, что искусство становится достоянием всего народы, а значит, его формы нужно упрощать. Так оно более доступно людям. Скорее всего, рисуя свой «Черный квадрат», Малевич руководствовался именно этими соображениями. Нужно сказать, что люди его поняли и по достоинству оценили..

И еще одно. Малевич создал свою азбуку в искусстве, главным девизом которой стал лозунг «Нуль форм»! Она заменила азбуку Джотто, которая базировалась на принципах: объем, выразительность, эмоциональность. Ну, а «Черный квадрат» как раз и является в этой азбуке заглавной буквой. В нем идеально сочетаются простые цветоформы и выразительность, Вы спросите, почему именно квадрат? Тут все просто. Квадрат, по мнению художника, является первоформой, а черный он потому, что всепоглощающий.

Несколько версий того, как Малевич создал "Черный квадрат".

«Черный квадрат» Малевича — не столько картина, сколько явление. Его изучают, его пытаются повторить, его превозносят и отрицают, над ним смеются, ему молятся и посылают проклятия, споры о нем, кажется, не утихнут никогда. В основном, спорят о том, что Малевич хотел сказать людям и мирозданию. Впрочем, не менее важную роль в мифологии «Квадрата» играет вопрос «как?». Как столь скупыми средствами Малевич сумел добиться такого оглушительного эффекта? Как он создал свое самое известное произведение? Вот несколько популярных версий.

Казимир Малевич "Автопортрет".

Аналитически.

Работая на «Черным квадратом», Казимир Малевич точно знал, чего хочет. Он заранее все рассчитал — размеры, плотность «закраски», характер мазков и даже легкую асимметричность. Если бы он отклонился от расчетов — хоть на градус, хоть на миллиметр — ничего бы не вышло.

За: В пользу этой версии говорит то, что Малевич и в самом деле был исследователем. Он много экспериментировал — особенно с цветом, его воздействием на человеческий организм. Случалось, он усаживал машинисток в комнатах, стены которых были окрашены в разные оттенки. И аккуратно фиксировал поступающие данные: какая из них быстрее печатает, какая делает больше ошибок, какая чувствует недомогание. Впрочем, подобные эксперименты он проводил уже после того как написал свой первый «Квадрат».

Против: Несмотря на привычку изобильно теоретизировать, Малевич все же был интуитивным гением — чаще всего он задним числом подводил «научные обоснования» под то, что нашел случайно, на ощупь. Когда, например, Велимир Хлебников искал в его картинах ключевые числовые соотношения, Малевичу было любопытно, но не более. Подход Хлебникова он считал слишком уж рассудочным. «Вы умник, вы астроном, звездочет. Вы каждую минуту измеряете, какое пространство смыслов в предмете», — однажды сказал он своему высоколобому другу.

Интуитивно.

Казимир Малевич написал «Черный квадрат» в состоянии транса — он и сам понял, что сделал, лишь некоторое время спустя.

За: О том, что работа над квадратом была экстатическим опытом, говорил сам Казимир Северинович. Описывая его, он не скупился на «спецэффекты» и красочные детали: за окном якобы сверкали молнии, рассудок померк, «глаз потух в новых проблесках».

Против: Малевич, мягко говоря, был не дурак приврать — любил сгустить краски и в прямом, и в переносном смыслах. Многие факты его биографии, тиражируемые им самим, оказывались на поверку не вполне фактами. И истории о том, что «Черный квадрат» появился в результате каких-то шаманских практик, слепо верить не стоит. Зато доподлинно известно, что к «Квадрату» Малевич примеривался уже давно — ряд набросков он сделал как минимум за два года до «проблесков и молний», так что процесс его создания был долгим и вполне осмысленным.

***

В настоящее время в России находятся четыре "Чёрных квадрата“: в Москве и Санкт-Петербурге ровно по два "Квадрата“: два в Третьяковской галерее, один в Русском музее и один в Эрмитаже.

Одно из полотен принадлежит российскому миллиардеру Владимиру Потанину, который приобрел его у Инкомбанка в 2002 году за 1 миллион долларов США и передал на бессрочное хранение в Эрмитаж. Первый и третий хранятся в Третьяковке, второй - в Русском музее в Петербурге.

Первый "Черный супрематический квадрат" датирован 1915 годом, ныне он находится в Третьяковской галерее.

Второй "Черный квадрат" Малевич нарисовал в 1923 году специально для Русского музея. Третий – в 1929 году. Он тоже находится в Третьяковке. Третий - авторская копия первого квадрата, был сделан к персональной выставке К. Малевича в Третьяковской галерее в 1929 году. Из-за плохого состояния первого полотна Малевича попросили о повторении "Квадрата". Малевич возражал, но всё же решил сделать для Третьяковки ещё один экземпляр.

И четвертый – в 1930 году. Доставшаяся Эрмитажу картина - это четвертый по счету "Черный квадрат" Малевича. После выставки 32 - 33-х годов "Художники РСФСР за 13 лет" предполагалось, что он хранился дома у Малевича. А потом картина "всплыла" на распродаже "Инкомбанка", который в свое время купил картину у некоего "частного лица".

Первый (самый, конечно, знаменитый) - был выполнен Малевичем в 1915 году и впервые показан в Петрограде на выставке "О,10" (нуль - десять). Сегодня эта картина в плохом состоянии, она перегружена, то есть, написана поверх другой композиции. Кроме того, она не покрыта верхним (защитным) слоем лака. В результате этого почти сразу же на "Чёрном квадрате" появились кракелюры - трещины красочного слоя. И хотя реставраторы периодически укрепляют красочный слой и сам холст, ничего с этими кракелюрами поделать уже нельзя, они расширяются. Очень может быть, что лет через пятьдесят главный "Черный квадрат" вообще погибнет.

***
Предшественники.

В начале XVII века, Роберт Фладд (Robert Fludd), английский философ-мистик и астролог, изобразил чёрный четырёхугольник для иллюстрации первозданной темноты Вселенной перед появлением мира сего в своём трактате «Utriusque cosmi maioris scilicet et minoris Metaphysica, physica atque technica Historia» (1617 год)[30].
В книге Лоренса Стерна (Laurence Sterne) The life and opinions of Tristram Shandy, Gentleman, выпущенной в 1760 г., дважды (на стр. 73 и 74) изображен чёрный вертикальный прямоугольник. Таким образом, в литературном произведении были использованы две «чёрные» страницы.
Книга-альбом Гюстава Доре (Gustave Dorе), посвященная истории России на французском языке «Живописная, драматическая и карикатурная история Святой Руси на основании текстов хроникеров и историков Нестора, Сильвестра, Карамзина, Сегура и т. д. в 500 рисунках с комментариями» (1854), начинается с рисунка чёрного четырёхугольника. Выпущенная во Франции книга попала под запрет в России, а по форме многими считается протокомиксом, то есть предшественником комикса.
В 1882 году Альфонс Алле (Alphonse Allais) написал картину «Битва негров в пещере глубокой ночью», представлявшее собой чёрное полотно, близкое по форме к квадрату.

Подпись К.Малевича.

В 1883 он написал полностью белую картину «Первое причастие хлоротически-бледных девушек в снежную пору»,
а в 1884 — красную «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналами».

Возможно, полотно Малевича является диалогом с Алле, так как несколько исследователей заявили 4 октября 2015 года об обнаружении на полотне с чёрным квадратом частично сохранившейся надписи «Битва н…ов …», и интерпретировали её как «Битва негров в темной пещере», либо как «Битва негров ночью».
По расположению замазанной записи обнаружили, что в Третьяковской галерее первый ЧК Малевича был повешен вверх ногами.

Актуально,интересно,познавательно....