На заметку...

На сайте ВГД собираются люди, увлеченные генеалогией, историей, геральдикой и т.д. Здесь вы найдете собеседников, экспертов, умелых помощников в поисках предков и родственников. Вам подскажут где искать документы о павших в боях и пропавших без вести, в какой архив обратиться при исследовании родословной своей семьи, помогут определить по старой фотографии принадлежность к воинским частям, ведомствам и чину. ВГД - поиск людей в прошлом, настоящем и будущем!

КОШКИ КАРДИНАЛА И НЕ ТОЛЬКО…

Кардинал Ришелье (Armand-Jean du Plessis, duc de Richelieu, 1585, — 1642, кардинал с 1622 г., глава Королевского совета с 1624 г, фактический правитель Франции.), обожал кошек и содержал их у себя во дворце в большом количестве.
Кошки Ришелье были единственными живыми существами, разделявшими короткие часы его досуга и искренне к нему привязанными.

История сохранила имена кошек принадлежавших Ришелье.
Самой любимой была белоснежная кошка по имени Мириам. Еще одной любимицей была Сумиз (Soumise), что в переводе означает "особа легкого поведения".

В честь своего детища газеты с одноименным название «La Gazette» была таким же именем названа трехцветная кошечка Газетта.
Кот с именем, Mounard le Fougueax, обладал донкихотским характером и был очень раздражительным.
Хорошим охотником на крыс был кот по кличке Людовик Жестокий (Ludovic le Cruel). Именно Ришелье стал одним из первых в Европе владельцев кошек ангорской породы. Ему привез такую кошечку из Анкары его друг Николь - Клод Фарби де Пейрешем, ученый и политик, много путешествовавший по Турции.
Ангорскую кошку звали Mimi-Paillon. Кот привезенный из Британии звался Фелимор (Felimare), он был похож на тигра. Придворные и дипломаты знали об увлечении Ришелье кошками и преподносили ему их в качестве подарка.

Из Польши привезли для него кошку, которую звали Лодовиска (Ludoviska).
Кошечка с именем Рубин (Rubis sur L'Ongle), была истинной леди. Она прославилась тем, что был очень капризна и никогда не оставляла в блюдечке ни капельки молока.
Еще одну пушистую подругу кардинала звали Серполетта (Serpolet).

Серая парочка котов, которая любила спать, связавшись вместе в узел звалась Приам и Тисба. Еще одна парочка котов была рождена в парике драматурга Ракана, поэтому их звали Racan (Ракан) и Перрюк (Парик). Легенда говорит о том, что Ракан, собираясь в гости к кардиналу, надел парик и не заметил спящих там котят, обнаружены они были только в доме Ришелье. Хотя скорее всего это только легенда.

Самым знаменитым котом Ришелье был черный кот Люцифер, названный по имени падшего ангела. Это было время охоты на ведьм, которых Ришелье преследовал безжалостно.

В это же время Ришелье подписал хартию Сотни. Сотня была ассоциацией французских джентльменов, которым дали титулы и землю в Новой Франции в Новом Свете.

Как отмечали современники, когда кардинал болел, коты забирались к нему на постель и «облегчали страдания», Ришелье удивительно быстро выздоравливал.

Послы иностранных государств, чтобы снискать благосклонность кардинала, дарили ему котиков. Так во Франции оказались кошки разных пород персидские, британские, ангорские.

Говорили, что котики помешали любви кардинала к королеве Анне, у которой оказалась сильная аллергия на кошек, у дамы слезились глаза. После нескольких тайных свиданий их роман завершился.
Хотя кардинал долго и настойчиво добивался внимания королевы.

Граф де Бриенн вспоминал о насмешках королевы над поклонником:
«Королева и ее наперсница в это время думали о развлечениях не меньше, чем об интригах. Однажды во время беседы они решили немного посмеяться над влюбленным в королеву кардиналом.
– Он страстно увлечен вами, мадам, – сказала королеве ее наперсница, – и я не знаю того, что он бы не сделал, лишь бы только понравиться вашему величеству. Хотите, я пришлю его к вам в наряде шута и уговорю его станцевать вам сарабанду? Хотите? Только скажите, и он сделает это.
– Какое безумие! – рассмеялась королева.

Она была молода, она была женщиной, она была веселого нрава. И можно было понять, почему она нашла это предложение привлекательным. Королева поймала свою наперсницу на слове, и та тут же отправилась за кардиналом. Первый министр, голова которого была забита делами государственной важности, но сердце оставалось свободным для любви, дал согласие на необычное свидание, полагая, что объект его страсти им уже завоеван…»
На балу кардинал исполнил просьбу дамы и перешел к решительным действиям. Свидания состоялись, но ненадолго.
«Не знаю… Стоит ему приблизиться – и я уже плачу. Он умеет говорить и уговаривать. Он вовсе не сухарь, но… Не знаю, я просто не могу. Не могу!» - сокрушалась королева.

Анна страдала от аллергии на шерсть животных.
Возможно, именно это стало причиной её отдаления от мужа, страстного любителя гончих псов и лошадей. И почти наверняка шерсть любимой кошки кардинала Мириам, обильно покрывавшая одежду кардинала, вызывала беспричинные слёзы у королевы.
Ришелье охладел к постоянно плачущей Анне, а вскоре Лувр посетил блистательный герцог Бэкингем. И началась совершенно другая история любви, блестяще пересказанная знаменитым писателем Александром Дюма.

Кардинал не долго горевал из-за разлуки с королевой, самые знатные дамы оставались рады его благосклонности.
Как заметил один из современников: «За два года до смерти, кардинал имел сразу трех любовниц, первой из них была его племянница, второй – пикардийка, жена маршала де Шольна, а третьей – парижская красавица по имени Марион де Лорм; из чего можно сделать вывод, что эти господа в красных шапочках – крепкие мужики».
"Господами в красных шапках" именовали кардиналов.

Кардинал завещал пожизненное содержание своим питомцам, но суеверные придворные не послушали его. Кошки кардинала были брошены в костер согласно давней традиции…

По записям французских хронистов:
«На летней ярмарке в середине шестнадцатого столетия в Париже сожжение кошек было регулярной забавой. Специальная сцена была построена так, чтобы большая сеть, содержащая несколько дюжин кошек, могла быть сброшена в костер под ней. Зрители, включая королей и королев, хохотали до упаду, когда животные, воя от боли, подпаливались, поджаривались и, наконец, обугливались. Жестокость тогда считалась забавой»
В 17 веке после смерти кардинала сожжение кошек продолжилось:
«Французские короли часто присутствовали на этих зрелищах и даже собственноручно зажигали эти костры. В 1648 году Людовик XIV, увенчанный венком из роз, с букетом роз в руках танцевал вокруг зажженного им костра, а потом принял участие в банкете, устроенном в городской ратуше»

Суеверия отступили только к началу 19 века.

ПОЧЕМУ У СЛОНА ВСЕ ЧЕТЫРЕ КОЛЕНА ВПЕРЕД, А У ЛОШАДИ — ДВА ВПЕРЕД И ДВА НАЗАД?

Начнем с того, что и у слона, и у лошади не четыре, а два коленных сустава. Дело в том, что скелеты всех млекопитающих очень схожи между собой по строению, поэтому передние конечности лошадей и слонов (равно как китов, носорогов, тюленей, львов и, конечно, человека) на самом деле не «ноги», а «руки», только выполняют они иные, «нечеловеческие», функции. То, что нам кажется пятками передних ног слонов и лошадей — это пальцы «рук» (A), коленями — запястья (B), а бедрами — кости предплечий (С). Никаких коленей здесь нет.

Точно такое же сходство мы обнаруживаем и в строении задних конечностей — собственно ног.

Со слоном дело обстоит совсем просто: его коленная чашечка устроена так же и расположена на том же месте, как и у человека.

А вот у лошади там как будто тоже колено, только навыворот. Однако на самом деле это никакое не колено, а заплюсна (D) — место соединения стопы (E) с голенью (F). Дело в том, что лошадь передвигается только на пальцах ног (G), и то, что нам кажется ее коленом, в действительности представляет собой пятку. Коленный сустав (H) у быстроногих млекопитающих находится гораздо выше — на уровне живота и сгибается в ту же сторону, что и у слона, и у человека.

Однако у его устройства есть особенность. Благодаря «запирающему механизму» лошадиного колена мышцы задних конечностей скакунов находятся в расслабленном состоянии, что дает возможность этим животным долго находиться в движении и не ложиться во время сна.

ПОЧЕМУ КОШКИ ЧАСТО «ЗАСТРЕВАЮТ» НА ДЕРЕВЕ?

Из-за формы когтей.

Когти домашней кошки загнуты так, что дают ей опору при движении вверх по стволу дерева, но не могут удержать животное при спуске.
А спускаться задом наперед кошки не любят, так как не видят, куда движутся. Впрочем, если человек не приходит на помощь, то кошки в конце концов все же слезают с дерева именно вперед хвостом.
Некоторым из них удается преодолеть этот психологический барьер, и они становятся искусными древолазами.
Разные хищники, взбирающиеся на деревья, спускаются с них по-своему. Например, у енотов при движении вниз по стволу кисти и стопы выворачиваются так, что пальцы с когтями оказываются обращены назад.

ЧЕМ ОПРЕДЕЛЯЕТСЯ СРОК ЭКСПЛУАТАЦИИ МАСКИ ИЛИ РЕСПИРАТОРА?

Материалом фильтра.

Одноразовая медицинская маска фильтрует воздух через материю, отверстия в которой намного больше размера вирусных частиц. Вирусы задерживаются в ней за счет сил электростатического взаимодействия.
Через 2–3 часа маска увлажняется от дыхания настолько, что теряет электростатический заряд. После стирки ее фильтрующие свойства сильно ухудшаются, а у масок с нетканой основой пропадают вовсе.
Самодельные маски из любой подручной материи можно использовать и после стирки, но их эффективность изначально невелика. Респираторы действуют, пока фильтр не забьется пылью.

Расцвет творчества Владимира Лукича Боровиковского, известного русского живописца, пришелся на времена царствования Екатерины II и Павла I. При императорском дворе очень ценятся торжественные, парадные портреты, и художник отменно преуспел в этом – он всеми признанный мастер.

В серии женских картин Боровиковский раскрывается как яркий представитель сентиментальной живописи. В его камерных портретах воплощен идеал женщины его времени.

«Портрет М. И. Лопухиной» является заказом ее мужа, егермейстера и действительного камергера при дворе С. А. Лопухина.

Мария Лопухина (1779-1803) - представительница графского рода Толстых, сестра известного авантюриста и дуэлянта Федора Ивановича Толстого, жена егермейстера С.А.Лопухина. Она была старшей дочерью графа Ивана Андреевича Толстого и Анны Федоровны Майковой. Отец Марии служил в Семеновском полку, прошел путь от сержанта до бригадира и генерал-майора. И, кроме того, был известен как предводитель Кологривского дворянства. У Марии Ивановны были четыре сестры: Вера, Анна, Александра и Екатерина, а также два брата - Федор и Петр. Но самой, пожалуй, одиозной фигурой этой семьи был Федор Толстой, старший брат Марии, по прозвищу “Американец”, прославившийся своими дуэлями и приключениями. С кем только он не стрелялся! Даже пытался с Пушкиным. Но поэт тогда проделал знаменитый трюк, стал кушать черешню и выплевывать косточки - мол, занят, не до дуэли мне сейчас. Этот эпизод был положен в основу сюжета повести Пушкина “Выстрел”.
Мария Ивановна в 1797 году вышла замуж за Степана Авраамовича Лопухина, егермейстера и действительного камергера при дворе Павла Первого, по сути, ничем не примечательного офицера. Однако Лопухины были представители выдающихся русских дворянских фамилий, людьми очень известными.

Эта картина - признанный шедевр Боровиковского - представляет абсолютное воплощение эстетических идей сентиментализма. Образ Марии Лопухиной пленяет нежной меланхоличностью, необыкновенной мягкостью черт лица и внутренней гармонией, которая ощущается во всех художественных и живописных элементах картины: в позе героини, повороте очаровательной головки, выражении лица. Гармоничны и мелодичны все линии, привлекают внимание детали. На полотне также изображены цветы - сорванные и уже слегка поникшие на стебле розы. Что это, зарисовка природы или здесь заключен некий смысл? Символическое значение цветов было хорошо известно: красота их цветения завораживает, но очень скоро блекнет. Такова и красота женщины.

Однако художника особенно привлекают нюансы в состоянии модели, ее ускользающая красота, глубокая грусть души, которые он передает благодаря почти незаметным элементам символики и тонкому колористическому решению портрета.

По оценке знатоков искусства, «Портрет Марии Ивановны Лопухиной» является одним из шедевров автора. Именно его можно считать началом нового этапа в портретной живописи - когда художник обозначает не социальное положение и значимость героя картины, а его личностные характеристики – настроение, сокровенные переживания. Выражается это в изображении не атрибутов в интерьере, а окружающей природы.

На полотне Боровиковского - Мария Лопухина, молодая девушка 18-ти лет, она из дворянского рода, дочь генерала в отставке Ивана Андреевича Толстого, жена Степана Авраамовича Лопухина. Мария только что вышла замуж, и этот портрет послужил ей подарком от мужа. Портрет завораживает и очаровывает с первого же взгляда.

Девушка изображена на фоне природы, размытой и как бы в дымке, через которую просматриваются русские мотивы – березы, цветы, облака. Мария в белом, простом платье с голубым поясом, охватывающем ее фигуру по «греческой» моде, в небрежно накинутой шали.

Милое, обаятельное лицо молодо, свежо и нежно, у нее мечтательный взгляд, направленный именно на вас, и легкая таинственная улыбка. По замыслу автора, вся картина должна создавать ощущение гармонии и единства природы и человека.

Красота девушки грациозно и непринужденно сливается с красотой пейзажа. Как гармонирует наклоненная березка с естественным и плавным изгибом фигуры девушки, как васильки откликаются на цвет пояса, как золотые колосья передают изгиб руки, цвет и фактуру браслета.

Боровиковскому удалось передать не только поразительное сходство с оригиналом, но и наполнить полотно поэтичностью, выразившейся в воздушности письма и нежной гамме красок. Используя в основе приглушенные серебристые, бледно-голубые, нежно-зеленые цвета, автор достигает особенной лиричности и чувственности изображения.

По словам современников художника и искусствоведов нашего времени, портрет Лопухиной является идеалом женщины именно русского типа, которому, согласно канонам сентиментализма, Боровиковский придал черты нежной чувствительности, а изображение природы – как неотъемлемая часть женской души, ее сущности.

Благодаря портрету Боровиковского, до наших дней сохранилась загадочная красота Марии Лопухиной. А судьба девушки оказалась сурова к ней, Мария умерла в возрасте 23-лет от чахотки.
Супруг похоронил её в родовой усыпальнице Лопухиных в Спас-Андронниковском монастыре, в Москве. Это нынешний музей и Центр Древнерусского искусства имени Андрея Рублева. Через несколько лет после ее смерти её супруг также умер и был захоронен в этой усыпальнице рядом с ней. В его скорой смерти таится некая загадка - может быть, он так сильно любил Марию, что не смог более жить без неё.
Интересно, что после ее смерти прокатились по городу слухи, что именно этот портрет и погубил, совсем недавно здоровую и жизнерадостную девушку. В кулуарах шептались, что якобы любая девушка, посмотревшая на этот портрет, умрет, потому что в нем воплотился дух умершей. Скорее всего, эти слухи связаны с отцом Марии, он являлся членом масонской ложи, увлекался мистицизмом и имел огромное влияние на умы окружающих.

В какой-то степени, Боровиковский «виноват» в этих слухах – вот какова сила его художественного таланта, его воздействия на людей, как высока эстетическая составляющая портрета, какова жизненность и достоверность изображенной на нем героини.
Племянница Лопухиной вскоре стала супругой московского губернатора. Чтобы прекратить все разговоры о вредном влиянии изображения портрета на здоровье московских невест, портрет Марии Лопухиной был «сослан» подальше от людских глаз и пересудов, в загородное имение губернатора.
Только почти через 100 лет эти слухи перестали будоражить людей. После того, как знаменитый российский предприниматель и коллекционер Павел Михайлович Третьяков, приобрел картину для собрания своей галереи.

В 1885 году поэт Яков Петрович Полонский написал бессмертные строки, посвящённые образу Марии Лопухиной.

Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту её Боровиковский спас.
Так часть души ее от нас не улетела,
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать,
Уча его любить, страдать, прощать, молчать.»

ЕСТЬ ЛИ НА СВЕТЕ НАРОДЫ , КОТОРЫЕ НЕ РАЗЛИЧАЮТ ЦВЕТОВ?

Да, например, такие люди живут в Либерии.

В языке басса (одном из 17 языков малых этнических групп, распространенных на территории современной Либерии) есть всего два термина для обозначения цвета:
ziza для всех теплых оттенков — красного, оранжевого, желтого, белого и так далее;
hui для холодных оттенков — зеленого, синего черного и так далее.

Численность народности басса, язык которой принадлежит к семье кру нигеро-конголезских языков, составляет около 600 тыс. человек. Большая их часть проживает в Либерии, небольшие группы — в Сьерра-Леоне и Кот-д’Ивуаре.

КАКАЯ ИГРА САМАЯ СЛОЖНАЯ?

Самой сложной игрой в мире по праву считается го.

Это название пришло в европейские языки из Японии. Полное именование игры в Стране восходящего солнца звучит как «и-го».
В Корее же ее называют бадук, а в Китае вэйци. Го (вэйци) — одна из самых древних игр на Земле. По разным источникам, ее возраст составляет от 2500 до 4000 лет. Согласно китайским легендам, изобрел игру полумифический император Яо (XXIV век до н. э.), желая развить ум и внимательность наследника престола. Но документальные свидетельства, которыми мы располагаем, гораздо моложе древних преданий и относятся к периоду династии Западная (Ранняя) Хань (III—I века до н. э.). В это время игра уже была очень популярна. А самая старая дошедшая до нас игральная доска датируется IV веком. Большинство ученых считают, что вэйци появилась в эпоху Чжоу, между XII и III веками до н. э. В Японию игру завезли лишь в VII веке. Но именно в этой стране она достигла пика своей популярности.

Удивительно, но за многие века правила го почти не изменились. Все довольно просто. Для игры используется доска, на которую нанесены 19 линий по горизонтали и вертикали, образующих 361 квадрат (игровой пункт). Два игрока по очереди заполняют эти пункты камнями. Для удобства камни покрашены в контрастные цвета, к примеру черный и белый. Суть игры в том, чтобы заработать как можно больше очков. Для этого можно захватывать территорию (окружать пустые пункты своими камнями) либо уничтожать камни противника. Чтобы захватить вражеский камень, нужно окружить его со всех сторон. Тут-то и начинаются сложности. Хотя правила довольно просты, го намного сложнее шахмат и тем более шашек.

361-клеточное игровое поле создает огромное количество вариантов. Для сравнения: если в шахматах после четвертого хода возникает около 100 000 возможных позиций, то в го их число превышает 16 миллиардов. Если в шахматах машины давно научились обыгрывать лучших гроссмейстеров, то в го лавры победителя для них все еще недоступны. На это существует несколько причин.
Во-первых, как уже было сказано выше, количество вариантов в игре настолько огромно, что даже простой механический перебор крайне затруднителен.
Во-вторых, возникают серьезные проблемы с оценкой позиции. Если в шахматах давно выработаны критерии оценки позиции и определена ценность фигур, то в го все гораздо сложнее. Даже самые профессиональные игроки спорят о возможностях той или иной комбинации. В настоящее время лучшая программа по игре в го — это MoGoTitan. Она работает на суперкомпьютере мощностью 15 терафлопсов, то есть обрабатывает 15 триллионов операций в секунду и при этом играет лишь на уровне сильного любителя.

>> Ответ на сообщение пользователя Tina1960 от 21 августа 2020 21:38

Недаром, у китайцев есть пословица: "Дар к питью вина и вэйци отмерен человеку раз и навсегда. И человек не может, ни усилить его, ни утратить"!

ПОЧЕМУ ТУРЦИЮ НАЗЫВАЮТ ПОРТА?

Так называли эту страну послы из Европы.

К комплексу государственных зданий в Стамбуле вели так называемые Высокие ворота.
По-французски «ворота» — porte, по-итальянски — porta. Так европейские дипломаты стали называть правительство Османской империи. Со временем слово перекочевало в русский язык.

Скандальная картина Караваджо "Успение Богоматери": что с ней не так.

Он был действительно великий художник, а во-вторых, у него интересная, довольно необычная судьба. Он был известен как гуляка, дуэлянт, скандальный человек, с одной стороны. А с другой – большинство его лучших картин посвящены библейским темам, и он вкладывал в них всю мощь своего таланта. О масштабе его дарования свидетельствует среди прочего и тот факт, что Караваджо не оставил ни одного наброска к своим картинам – вполне возможно, он обходился без них. Конечно, никто из искусствоведов не отрицает его таланта. Обычно о нем говорят, что он большой мастер, что он преодолел маньеризм, который главенствовал в живописи после Ренессанса…

Картину "Успение Богоматери" Караваджо писал по заказу церкви Санта-Мария делла Скала. Она находилась в Трастевере, одном из самых бедных районов Рима, и художник надеялся написать эмоциональную, реалистичную, доступную для самых простых, необразованных прихожан вещь.
Караваджо берёт и пишет картину, которая напомнила бы римскому бедняку реальную сцену смерти - и скорби по этому поводу.

Что же скандального в этой работе?

Для начала давайте вспомним, о каком событии идет речь. Успение Пресвятой Богородицы – это христианский праздник, общий для Восточной и Западной Церкви, когда, с одной стороны, вспоминается конец земного пути Пречистой Девы («Успение» значит уснуть, умереть).
С другой стороны – в Успении подчеркивается не менее важная составляющая: Христос Сам приходит за Своей Матерью. На православных иконах этот момент изображается так, что Спаситель как ребенка держит на руках Ее молодую душу, пространство вокруг залито светом, скорбь растворяется в радости. В западной живописи праздник Успения изображается как Вознесение Пресвятой Богородицы – ангелы поднимают Ее на небо. Другой распространенный в живописи и скульптуре сюжет – коронация Божией Матери, Ее торжество на небе, когда Ее Сын, а часто и Пресвятая Троица – Отец, Сын и Дух Святой прославляют Ее как Небесную Царицу, «честнейшую Херувим и славнейшую без сравнения Серафим».
То есть речь идет не столько о печальном событии смерти, сколько о воскресении, которое ожидает всех людей.

Что же из этого мы видим у Караваджо?

Давайте внимательно рассмотрим его работу. Прежде всего, здесь бросаются в глаза фигуры убитых горем апостолов, которые собрались вокруг ложа только что умершей Пресвятой Богородицы. Божия Матерь изображена так, что тело Ее как будто пересекает холст. Она лежит в алых одеждах. С большим реализмом изображены руки: это руки человека, которого только-только оставила душа. Они безвольно обвисли. У Богородицы бледный лик, как будто после болезни, глаза закрыты…
Все это – изображение скорее телесной стороны жизни, чем духовной. Чтобы подчеркнуть особую бледность Пречистой Девы, Караваджо использует алый цвет, типичный для своих работ. Далее, мы видим помещение, практически лишенное света: черный фон на холсте доминирует. Часть апостолов, которые пришли прощаться с Божией Матерью, находятся в тени. И действительно, кажется, что в этой картине только скорбь, и ничего от того светлого праздника Успения, который отмечает Церковь, нет.

Пишет Караваджо не по воображению. В толпе скорбящих наверняка есть те же римские бедняки, которых он часто привлекал в качестве натурщиков. А саму покойную - Деву Марию, мать Иисуса Христа - Караваджо, по слухам, написал с трупа.
И ладно бы его мёртвая натурщица при жизни была приличной женщиной - так нет же, Караваджо написал Деву Марию с утонувшей проститутки, тело которой выловили из Тибра. Тело это изрядно распухшее. А ноги мёртвой проститутки грязные. Всё это художник фиксирует на полотне.

Тем не менее, есть несколько деталей, которые указывают и на другую, духовную сторону этого события.
Например, чтобы подчеркнуть особую святость Богородицы, Караваджо увенчал Ее нимбом – только Ее, хотя и апостолы, и Мария Магдалина прославлены Церковью как святые.
Далее, Божия Матерь изображена так, как будто Она только что умерла, но тело Ее не просто лежит… Если приглядеться: ложе различимо только у изголовья, а дальше – мы видим одежды апостолов, а постели нет. Возникает эффект, что Богородица как бы парит в воздухе.

Реалистично? Да! Но так писать Деву Марию никто никогда себе не позволял!
Звучит слово "богохульство". Заказчики отказываются оплачивать картину и вешать её в церкви.

Традиционно считалось, что в период между смертью и вознесением на небеса Дева Мария пребывала во сне, или «успении», сохранявшем ее тело, в отличие от тел простых смертных, нетронутым.
Как зачатие Спасителя было непорочным, так и смерть Богородицы была бесплотна.
Но понятие бесплотности было чуждо Караваджо: он писал плоть...

Хотя...Давайте посмотрим на один выразительный момент, характерный для Караваджо.
Это так называемая игра света и тени, воздух, который составляет очень важный скрытый план картины. Он есть во многих работах мастера, особенно на библейские темы (например, «Бегство в Египет», «Призвание апостола Матфея»).
Да, в «Успении» Караваджо нет изображения Христа, пришедшего за Божией Матерью.
Да, мы видим людей, преисполненных земной скорби. Она всем знакома: все мы теряем близких и дорогих людей и в этот момент плачем. Это вполне понятная скорбь, ведь смерть неестественна для человека, каждый из нас с детства противостоит самой мысли о ней. Есть люди, которые, даже повзрослев, стараются о ней не думать, что, кстати, неправильно, потому что смерть – это составляющая жизни и воскресения.
Да, Караваджо мастерски показывает земную скорбь. Но приглядитесь: кроме нее, мы видим на холсте поток света, который уже прорвался в комнату, уже прорезал тьму.
Благодаря этому свету мы можем предположить, что произойдет мгновение спустя… Через секунду тело Божией Матери начнет приподниматься и устремляться к этому свету. Собственно, мы не знаем как, но именно это и произошло.

Успение Божией Матери в духовном мире – это преодоление смерти, которое стало основной мыслью в творчестве художников с христианским мироощущением. Ведь это начало жизни вечной.

Посмотрите, как другие художники (до и после Караваджо) обходились без изображения мёртвого тела при создании картины "Успение Богоматери". Они концентрируются уже на моменте её вознесения на небеса:

Слева - картина "Успение Богоматери" кисти Тициана (1516–1518, Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, Венеция). Справа - картина"Успение Девы Марии" кисти Рубенса (1626, Собор Антверпенской Богоматери, Антверпен).

А вот работа, созданная почти за 200 лет до Караваджо.
Всё красочно и торжественно, поза "спящей" Марии благообразна - ни о каких грязных пятках невозможно и помыслить. Среди скорбящих апостолов в нижней части картины мужчина с "куколкой" на руках - это Иисус Христос с бессмертной душой Девы Марии. А в верхней части картины изображено отменяющее смерть вознесение Девы Марии (тогда как у Караваджо нет и намёка на вознесение и будущее воскрешение, вечную жизнь).

Фра Беато Анджелико. Успение и вознесение Богородицы. 1434. Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон.

Но вернёмся к картине Караваджо. Как она уцелела и дожила до наших дней, если возмутила современников, оскорбила чувства верующих?

Заказчики не увидели на картине второго плана. Караваджо сознательно отошел от традиционных мизансцен, а разглядеть за подчеркнутым реализмом иную, эсхатологическую перспективу заказчики не сумели. Впрочем, они не отрицали мастерство исполнителя, ведь отрицать очевидное невозможно. Но с их точки зрения, с задачейхудожник не справился: они увидели на картине смерть, но не увидели воскресения.

Через пять лет после того, как церковники отвергли картину Караваджо, её увидел... Питер Пауль Рубенс.
Рубенс,в то время жил у известного покровителя искусств Винченцо Гонзага, представителя известного европейского рода, который был в родстве с Габсбургами и даже претендовал на трон императора Священной Римской империи. Рубенс порекомендовал ему приобрети эту отвергнутую картину, что и уберегло ее от гибели.
Перед тем как картина уехала из Рима к новому владельцу, её в течение двух недель выставляли в Риме - со строжайшим запретом на копирование.
У герцога Мантуи картину купит английский король Карл I, после казни короля "Успение" купит французский коллекционер, который затем продаст её уже своему, французскому королю Людовику XIV - и в итоге шедевр Караваджо поселится в Лувре.

А оскорблённые церковники, отказавшись вешать полотно Караваджо, закажут написать картину с этим же сюжетом малоизвестному сегодня художнику Карло Сарачени.
Вот что у него получилось:

Карло Сарачени. Успение Девы Марии. Около 1610. Картина до сих пор висит в той же церкви, для которой была написана - Санта-Мария делла Скала, Рим.

Источники:

Богослов,экскурсовод,руководитель Паломнического центра апостола Фомы в Европе Тимофей Китнис.

(Из книги Саймона Шамы "Сила искусства")

Актуально,интересно,познавательно....